苏州园林沧浪亭
薛芃
“自·沧浪亭”当代艺术展正在苏州金鸡湖美术馆进行，展览也是第四届苏州金鸡湖双年展的一部分。2016年，这里举办了“自·牡丹亭”展，以昆曲《牡丹亭》为引，通过当代艺术的视角，去追寻传统昆曲的脚步，一边用视觉语言诠释昆曲意境，一边在当下的文化语境中找到昆曲的位置。
这次的“自·沧浪亭”展，延续了这一概念，但致敬的对象换成了沧浪亭和苏州园林。策展人吴洪亮希望“这个展览以园林的思想为入口，为观众找到那个安放心的所在”。
苏州园林众多，沧浪亭并非知名度最大，也不是最精致巧妙的，为什么要选择沧浪亭呢？沧浪亭始建于北宋年间，是苏州现存最古老的园林。北宋词人苏舜钦曾是这里的主人，他被贬游历至此，花了4万贯钱，买下了这处已荒废多年的旧园子，自己修整打理，在北埼筑了一座亭子，叫它“沧浪亭”。后来，欧阳修受邀写了一首长诗《沧浪亭》，其中一句“清风明月本无价，可惜只卖四万钱”，既淡泊出世，又调侃玩世，道出了沧浪亭区别于其他苏州园林的一番野趣。再加上北宋园林在设计上本就质朴，没有明清时那样复杂精巧，沧浪亭在苏州园林中就更显特殊了。
策展人吴洪亮也是被沧浪亭的这种特殊性所打动，他认为园林这个空间看似诗意，其实“出世”和“入世”的矛盾都在这里，它像平行空间中的一个世外桃源，也有苏州人仿佛绵柔但难以让其折服的“糯”的性格。对于我们现代人来说，游走在这样的空间中，犹如一场禅修，不疾不徐，不温不火，平衡而自在。
因为是向园林致敬，走在展厅中，也能感受到园林的趣味。整个展览空间由捷克艺术家伊瑞·许豁达（Jiri Prihoda）设计，伊瑞是一个善于处理空间结构的“玩家”，他曾经的作品《火星塔》就试图利用展场空间的特殊结构和自己的装置作品，搭建出一个无限延展的未知“宇宙”。这一次，他的实验换成了中国园林。虽然是在“白盒子”的展览空间，伊瑞仍利用了很多沧浪亭的空间语言，移步换景、借景、光影错落的手法都可以在展厅中窥得一二。
虽然是当代艺术展，展品中不乏装置、抽象绘画或其他形式的观念艺术作品，但整体的基调仍是非常古典的。入口处即是一大片竹林，竹竿上密密麻麻的乱舞草书，写满了“竹林七贤”的诗，这是艺术家王冬龄的作品《竹径》。就像当年苏舜钦写沧浪亭那样：“澄川翠干，光影会合于轩户之间，尤与风月为相宜。予时榜小舟，幅巾以往，至则洒然忘其归。”
穿过竹林，展览由此开始，分为“径” “澄” “见”“宜”四个部分，这四个字看似不好理解，其实是在说一个人从进入园林到将园林当作归宿的这个过程。展陈的动线形成一个封闭的弧形，看完最后一件作品时，又回到这片竹林，尽兴而归。
也许是因为园林的主题，策展人选择了不少水墨作品，丘挺的《水泉院》《江山小景》，周京生的《苏州写生》、林海钟的《沧浪四季图景》、王天德的《后山图》，都是与江南旧景特别契合的作品，他们以相对传统的水墨技法，加上少量的当代元素，去还原苏州园林的意趣。在这些水墨中，看不到前卫的、激荡的观念，而是静谧的、闲适的小情调，登几级台阶，在亭中小坐片刻，温酒饮茶，看水面涟漪。当在展览中看到这些作品时，也会有这种片刻放空的感受。展览之于观众是这种体验，而苏州之于外地往来的游客，也是这种感觉，展览如一个微缩的苏州城一般，让人可以短暂地澄心静气。
走过这些具象的山水亭台，看过徐累的《互山》和谷文达的《简词碑》这样的名作，可以看到整整一墙面的扇形小山水。凑近了仔细一看，才发现每一个扇面都是一个打开的一次性纸杯，山水则是由残留在杯壁上的茶渍自然形成的。茶渍是深浅不一的褐色，恰好有一种褪色的古旧感，由于是自然形成的，每一幅小“扇面”上的纹理都不同，但确实是烟波缥缈的样子。艺术家谭勋从2010年开始做了很多这样的纸杯作品，当它们摆满一面墙时，你可以把它们连成一幅巨幅山水画，也可以把每一个碎片分而治之，想象成一个立体空间中多维视角的景致。就像展览中的其他作品一样，都在以不同的观察角度与苏州园林发生关联，当它们共同出现在同一个展陈空间中时，这些碎片化的对园林的解读反而会彼此呼应，形成一个整体的概念，也就是“自·沧浪亭”。
自明以来，吴门画派兴起，成为苏州文脉的旗帜，也奠定了数百年来苏州文人画的格调，人们一直在這种格调中谈书论画，形成了苏州独有的气质，这是苏州最大的魅力。当我们穿梭在金鸡湖美术馆的展厅里，大多数作品指向园林和苏州，或是具象的亭台楼阁，或是意象的澄心静气，既看到园林，也看到内心。
但另一方面，在苏州举办当代艺术展，几乎跳脱不开延续文人传统这个命题，昆曲、园林、苏绣、桃花坞年画这些苏州的传统标签一再被翻新、被挪用、被致敬，努力寻找它们在当代的定义，这既是苏州与当代艺术的关联，但在某种程度上也成为一种束缚。如何既有在地性，又能跳出本土文化，有更大的格局和视野，也是当下很多大展和双年展共同的焦虑。
1.王冬龄作品《竹径》
2.谷文达作品《简词碑》
3.“自·沧浪亭”当代艺术展现场图
